2018大同雕塑双年展： 雕塑的“不同”在哪里？

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“在展览举办之前，我们召开了一个策划会议，主题‘不同’是在会议中思想碰撞出来的，当这个主题提出来的时候，有过犹豫，是不是会引起歧义，但最终还是选择它作为主题。因为现在雕塑的发展，最大的特点就是‘不同’，如果都是一张面孔，那是雕塑的失败，恰恰是‘不同’，才能体现出来我们的价值，尤其是雕塑要走向世界，就更应该凸显出我们的‘不同’，只有凸显出了每个人的个性，每个人精神精神的‘不同’，我们世界才是可爱的、生动的、丰富的，放在艺术上讲，强调的就是‘不同’的个性。”孙振华讲到。





2018年11月23日，“不同·2018大同雕塑双年展”在大同雕塑博物馆开幕，本届双年展主题为“不同”，由深圳雕塑院院长孙振华博士、中央美术学院雕塑系主任吕品昌担任总策展人，是继2011年的“开悟”，到2013年“延伸”，再到2015年的“新态”之后，对当代雕塑最新面貌和创作状态的细分和深究。
展览分为“器物”、“具象”、“材料”、“户外”、“科技”5个板块，展出作品共250件，均为2015年以来的新作，展览邀请了5位分策展人：《雕塑》杂志执行主编唐尧(科技篇)，艺术研究院雕塑院副院长郅敏研究员(材料篇)，中央美术学院雕塑系副主任张伟教授(器物篇)，中央美术学院雕塑系公共艺术工作室主任胡泉纯教授(户外篇)，清华大学美术学院雕塑系教师马文甲博士(具象篇)。





总策展人之一吕品昌表示：“这个展览彰显了中华文化自信，此外，改革开放40年以来，尤其是近10年来雕塑发生了翻天覆地的变化，无论是在观念上和形式上的改变，都凸显了雕塑多元化的倾向。另外，这次展览还凸显了雕塑的前瞻性和探索性，艺术家们用一种‘不同’的世界观、方法论来呈现‘不同’的表现，凸显了对未来雕塑发展尤其是可能性的探索。”

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器物篇：作为雕塑的“器物”是什么？

“器物篇”由中央美术学院雕塑系副主任张伟策划，张伟表示，这个部分名为“器物篇”，总策展人寄予了很大的期望，也是许多人关注的新话题。因为它事关本土或曰传统艺术造型的当代转换，也关系到“雕塑”概念的拓展与雕塑体系的重新界定。这是近年来艺术教学和创作的热点，许多学者和艺术家都在思考和探索，确实到了学术界认真梳理并正式展示的时候了！





十年前，中央美术学院雕塑系率先成立了第一个传统造型研究工作室。作为领衔教员，张伟负责搭建这个方向的教学体系，其中的核心课程就是《器物造型》。因而有幸被选为本篇章的策展人。对于非理论出身的他和这个新研究方向而言，这是一次难得的研讨和学习机会。
展览展示的40位艺术家的作品都是张伟经过反复纠结后精心挑选出来的，因为“器物”作为学术概念尚不明晰，这里的艺术家都不是以此为创作目的的，但它们呈现出我认为相近的气质与面貌。藉此，他想说明器物是什么、器物还可以是什么、作为雕塑的器物又会是什么。





张伟表示，“器物”篇是总策展人提出的一个新方向，也确实是这些年，尤其是美术学院教学中的一个新方向，十年前中央美院雕塑系率先成立了以传统造型为研究方向的，有建制的专业工作室“我有幸作为领衔的教员，负责工作室教学大纲和课程的搭建，当时基于传统造型的所有东西，确定最核心课程就是器物造型，因为传统的，所有我们现在叫做雕塑的东西，在之前都不算雕塑，也就是说延伸到传统看，它核心的观察和思考，是以“器物”为基准点和出发点的，比如放在博物馆当雕塑看的东西，都是各种各样的器，今天来看，器物造型某种意义上是雕塑的一个方向，但在传统概念中，它的关系是相反的，也就是说器物的范畴会更大，包含了现在的雕塑认识和观察。”

在具体策划上，张伟讲到“器物”篇的策划挺难的，因为概念和专业人员的概念还不清晰，我在选择作品和艺术家的时候，并没有完全按照“器物”的概念去选择，而是收集与这个方向有关的，有这方面思考的和苗头的作品，把基点放低，比如“器”有形而下和形而上之分，有功能性、功用性，有日常用品，也有没有用的，张伟只看它有没有识别性，希望这个板块拿出来后，老百姓也能看得懂，一张椅子就是椅子，这是一件沙发，一辆自行车，一盆花等等，是一些似曾相识的生活中都能见到的东西，但是当你走进再去细细观察的时候，又不是一张椅子和一台电视机，会有一种更深的思考和启发在里面，然后回归到传统的认识中，这时候所谓的形而上的东西就会潜移默化的会体现出来。





此外，张伟还讲到，虽然“器物”是一个全新的概念，但从事这一方向的艺术家开始越来越多，相信理论也会很快跟上的，他自己是做实践的，也一直在读古人的书籍和理论，同时也实地考察实物，西方雕塑的结构和哲学思想，其实在传统中都能找到，我们的很多理解和解读可能一开始感觉会姿态更低，但是对中间层面的逻辑关系是一种能够直接穿越的，通向更高，将来这个体系和这个概念，张伟相信会扩大到超越雕塑的层面，前言的题目他引用了明末清初的哲学家王夫之的一句话“天下为器而已矣”，便是有这样的愿望。因为从五四以来，当我们将西方的艺术体系引入到国内之后，在这里并不是说这种引进是不对的，我们对自身的思考进行了两次分割，第一次是传统匠作系统和高等美术教育切割，匠作系统不纳入到一个高级层面来看；第二次把我们工艺美术从纯艺术中分离出来，造成现在不光在认识上有误区，人才和传承上也出现断层，关于对未来的创想，我们不能先入为主的把一些纯艺术或者西方的艺术放在更高的位置来看，而是要综合看待问题，将来要把传统看做一个大学科“而不是一个小的学术研究点，这个大学科可能包括了所有古代传统中的，比如匠作系统，师徒传承，手工艺者，国画系统和音乐、诗歌等等，将这些放置在一起作为一个整体的学科来进行建设，这样我们工作室的课程反而能够缩减和精确，要不然我的学生要涉猎的就太多了，现在的课程是需要更多的拆分的。”

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具象篇：叙事与温度，具象雕塑的新可能在哪里？

“当下研究具象雕塑首先所面临的环境已经是一个避讳谈及技术区隔的时代。如何去将一种传统的造型手段继续挖掘与重构新的叙事方式是本次大同雕塑双年展具象单元的策展初衷。”马文甲讲到。

作为“具象篇”策展人，马文甲他表示，本次展览单元参展的艺术家们，在自己的创作实践中，继续以塑造和形象叙事来呈现一种凝聚人文关怀与富于 “温度”的表达。这种历经痴沉使成极富形态触觉的表达语言和那些形像都提示了一种有关艺术与世界本真的追问。

马文甲表示，在策划“具象篇”的时候，对这个单元做了深刻的调查，具象雕塑承载着艺术所有印象的传统，从百年学院雕塑教学来说，具象还是一个经验所在，从社会传播来讲，具象是最直接进入社会传播和讲故事的艺术表现形式，所以具象问题是一个回避不开的问题。从当代艺术创作的角度来讲，具象并不是一个问题性的话题，对于它的探讨，更多的集中在教学层面。





“这是一个更契合雕塑本体的单元，呈现了传统雕塑表达方式在当下的新表现，在作品以及艺术家的选择上，我给自己定了一个基调，就是叙事与温度，叙事性是用形象塑造具象语言的基础，温度的表达与工艺和制作相关。工艺制作加上表现的特殊性，形成了具象雕塑在当代存在价值。艺术传播、解读以及美育功能，都是在叙事层面，形象层面上来实现，所以说具象是回避不了的问题。”





在选择艺术家的时候，马文甲关注了几个方面：首先是作品是否在国际上具有重大的影响力，比如像吴为山的作品《马克思》，在马克思的故乡产生了巨大的影响；其次是著名艺术家的当代艺术实践，比如李象群、蒋铁骊、杨剑平等艺术家，虽然他们用的是具象的手段，但在实践和探索上面走的是最前沿的；第三个方面是具象手段的多元性以及可能性，比如夏航、蔡磊等的作品，他们用新的语言来重组形象和叙事，到底是我们在用形象组织叙事，还是形象可以超越叙事，来传达更深的一个观念？第四个方面是，作品是否提供了一种新时代的视觉品味，比如王瑞琳、李伟、李万秋的作品，在视觉语言的表现上和颜色、形块的利用上，呈现了当代年轻人的视觉品味和时代的格调。最后他还关注学院新人，比如展招举、陈浩伟等，他们都刚从学院毕业，我们知道具象雕塑在当下的环境里面，弱化了很多，还有年轻人愿意坚守这种创作方式，应该给他们一个展示的机会，让大家看到更完整的生态。





可能在所有的观众看来，“具象篇”的作品是更接近于我们印象中的雕塑，所以作品要让观众们看来更有情、有故事，这是“具象篇”的特色，也是不同的所在。

孙振华也谈到，本届双年展五个板块中设置“具象”板块，有特别的意义，因为随着当代艺术兴起之后，“具象”一度被认为是落后的，所以被大家边缘化，但是从此次展览展出的作品可以看出，具象还有很多可以拓展的空间，也是想要借此次展览提出问题，具象的可能性在哪里？